On extended, boundless, vibratory and in-the-now sympathy music


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past events/archives20112010 & ...



Lewis Kaye on TTVP, June 2011
Reanimating Audio Art: A Nanocuratorial Event

A curated event by Lewis Kaye
2012 OBORO Writing Audio Art residency
Un événement organisé par Lewis Kaye
dans le cadre de sa résidence d'écriture Art Audio 2012 au Centre OBORO

with the presentation of /avec la présentation de : Pièce Stéréophonique pour clarinettes enregistrées (1995) & Pour JW (1998)

Wednesday, August 15 @ 7PM
at Flevoland, 588, rue Charon (angle Wellington), Montréal

Lewis Kaye and OBORO Media Arts Centre cordially invited you to participate in Reanimating Audio Art: A Nanocuratorial Event, an evening to explore some fundamental questions about the audio art archive.
This event is part of the 2012 OBORO Writing Audio Art residency. Central to Lewis's residency project is the premise that the experience of audio art is fundamentally conditioned by both the technological apparatus we use to reproduce it and the space through which we come to hear it. In other words, the sound of an audio work itself changes with the conditions of its reanimation. This, of course, could be considered a fundamental problem for an audio art archive, where sound works are solidified into very particular material artifacts, and require a complex technical system in order to be heard again. Yet rather than see this is a problem, what if we see this as an open question to explore and exploit ?
What if we were to think of an archive in an extended sense, as a network and community ?
The evening is intended to be multifaceted :
• a social encounter with the OBORO audio art archive in the form of a pop-up exhibition of archival audio art
• a nanocurated lab where artists who have worked with OBORO have the opportunity to reanimate, reposition, recompose and reengage their archival work
• an event where all are active participants, where boundaries between artist and audience, critic and theorist, maker and listener, become somewhat blurry
• a space for, listening, hearing, play and discussion.
Please move about the room, attend to the works in whatever way you prefer, and talk about what you hear and why you are hearing it.

Lewis Kaye, writer/researcher in residence and Stéphane Claude, Head of Research, Audio Sector at OBORO


Stereophonic piece for recorded clarinettes (1995)
digital editing and mixing. Realisation at the studio audiolab Villa Arson Nice (France). Clarinet player : François Dutreuil.
Produced in 1995 at the occasion of the collective exhibition Murs du Sons / Murmures which took place at the Villa Arson Contemporary Art Center in Nice, this very physical and immersive work specifically plays with the listening place and space. The musical composition is based on sequences of frequencies' beatings that are appearing in the room where you're listening to it.

Pièce Stéréophonique pour clarinettes enregistrées (1995)
montage et mixage numériques. Réalisation studio audiolab Villa Arson Nice (France). Clarinettiste : François Dutreuil.

Réalisée en 1995 pour l'exposition Murs du Son / Murmures au centre d'art contemporain de la Villa Arson à Nice, cette œuvre, très physique et immersive, joue spécifiquement avec l'espace d'écoute via la lecture sur un support cd. La composition est basée sur les séquencements de battements des fréquences qui apparaissent dans l'espace dans lequel vous l'écoutez.

For JW (1998)
for electronic sounds. Realisation at the studio audiolab Villa Arson Nice (France).
For JW is a work for electronic sound to be played on a stereophonic system ; each sound channel, right and left, is independant from the other. Designed for a spatial sound system that was connected to a video installation (titled Oktogon - Sonne) by the German artist Jürgen Waller and which has been shown several times in Europe, this work is entirely mobilizing the listening space. The combinations of frequencies (around 80 Hz) in space and according to the position of the loudspeakers cause acoustic beatings that the listener can vary and experience by moving into the room or by simply turning the head.

Pour JW (1998)
pour sons électroniques. Réalisation studio audiolab Villa Arson Nice (France).

Pour JW est une œuvre électronique destinée à être jouée en stéréophonie, chaque canal, droit et gauche, étant indépendant. Conçue pour un dispositif spatial sonore lié à une installation vidéo (Oktogon - Sonne) de l'artiste allemand Jürgen Waller présentée plusieurs fois en Europe, cette œuvre mobilise entièrement l'espace d'écoute. La conjonction des fréquences (autour de 80 Hz) dans l'espace selon la position des haut-parleurs provoque des battements acoustiques que l'auditeur peut faire varier en bougeant dans l'espace ou simplement en tournant la tête.

1. Piece Stereophonique pour clarinettes enregistrées (1995)

2. Pour JW (1998)

Listen on your loudspeakers or headphones



Live online audio streaming work
Specially produced for WLD2012
Réalisé spécialement pour l'événement WLD2012

"Acousticking" the Internet / L'internet acoustique


Synema (5), a live streaming audio new work on a web black interface. This work is using creation of a-synchronicities (delays, phasing, etc.) live generated by variations of Internet routings and artefacts and by playing simultaneously 12 times the same live audio streaming flux sent by the web microphone set up at my home. This work is questioning the Internet “space” such as an “acoustic space”. This live and streamed field recording is an attempt to test a live field streaming issued from synchronicity (controlled by the software on the server) and a-synchronicities (generated by the variations of routings and accesses on Internet, such as sonic “reflections”). Time after time these variations are continuously active and evolutive. Listening to a live distant location is revealing an in-between space with its own properties. As the same time, this sound flux listened at a distance is making us focusing on (fortuituous & associated) interactions between our local sound ambiance and the distant location.

Sur le projet général Nosynema :
« Ce prototype se base sur le principe de nocinema.org en testant des configurations de synchronicité à partir de captations en direct (vidéo et audio) dans des lieux répartis (et interconnectés par les programmes que j'ai construits). SYNEMA crée de la synchronicité à partir : - de l'association à la volée d'images vidéos et de sons qui sont indépendants et en direct, à l'aide des techniques de streaming, - du lancement du programme de synchronisation sans qu'il soit identique à chaque fois, - et de la lecture via l'interface de ces médias reçus. SYNEMA crée du réel par l’association de médias.

Pour accéder aux projets SYNEMA : http://nocinema.org/synema/

Research residency / Résidence de recherche : NT2 lab UQÀM Montreal - Variable Geographies / Géographies Variables - jun./july 2012

From Free Music Archives
From Tokyo Phonographers Union
From Environmental Sounds
From 51degreesnorth
From aporee/udo noll

Others :
Occupy the Ocean
Pauline Oliveros : Occupy Air, for the People's Microphone developed at the Occupy Wall Street protest, which is an unamplified "call and reverberate tactic", she says, "that is being used in very creative, strategic ways".
Andrea Polli: How can sonification help us understand climate change?
Peter Cusack : Sounds from Dangerous Places
O Colecionador de Sons
Peter Cusack : Klang Orte Berlin/Berlin Sonic Places & http://www.dock-berlin.de/?p=820


Courses de chevaux, courses de chiens

Live radio performance
Éric Létourneau / Jérôme Joy

L'Air du Diable
CKUT FM, radio, Montréal
performance : 11:40pm → 1:00am

non-profit campus community radio station at McGill University

Live streaming : http://stream.ckut.ca:8000/903fm-192-stereo

Recordings :


[...] violence de fer & bastons à trait, course de chiens & vols d'oiseaux, rets ou filets, lacqs, pièges, trebuchets, cages, gluz & empoisonnemens [...] (Guillaume de la Taissonnière, Livre de la Chasse, 1556)

Écrivons l'temps dans l'espace ! démontrons sa course anastasiparacyclométaparcisplendide! L'ENTENDEUR DU MONDE. Désignons le temps par du mouvement ! L'ENFANT HUIT DE CORPS. Montrons-le d'I'index. ADRAMÉLECH.(Valère Novarina, L'Origine Rouge, 2000)

Bilan provisoire des courses : rat, bœuf, tigre, lapin, dragon, coq, serpent, cheval, chèvre, singe, [...] , chien, des échanges ou mutilations d'appendices, des cocoricos peu glorieux... Eût-on cru que la vie de ces animaux était si mouvementée... (Légende chinoise des douze signes du Zodiaque, par Shēng Xìao Gù Shì)

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by John Eacott, Natasha Barrett, Jérôme Joy

Live sonification of the water flow
Sonification en temps réel du flux de la marée (de La Loire)

Sélectionné pour l'événement Le Voyage à Nantes LVAN, Nantes 2012
Projet annulé par LVAN

Commissioned by LVAN Le Voyage à Nantes / A Trip to Nantes 2012
Cancelled project


More info
Flood Tide is a musical performance generated by the flow of tide. Using a sensor in the water and custom software which converts the gradually changing data into notation read by musicians the resulting performance is a musical sonification of tidal flow. It is a work that has arisen from interests in music, computing and the sea.
Flood Tide is a live concert. The instruments are generally acoustic no electronic sound need be involved. At a glance it appears to be a regular concert with musicians reading a pre-composed and rehearsed score. However, the music has not been pre-composed or rehearsed, rather, it is generated by the interaction of river and computer algorithms.

Flood Tide est une performance musicale dont le principe est généré et piloté par les variations de flux de la marée. À l'aide de l'utilisation d'un capteur immergé et d'un logiciel spécifique qui convertit les variations des données captées en partition jouée par des musiciens, cette performance correspond à une sonification musicale des flux et reflux de marée. Il s'agit d'un travail qui se situe à la croisée de la musique, de l'informatique et de la vie maritime.
Flood Tide est un concert en direct. Les instruments utilisés sont généralement acoustiques, et il n'y a pas besoin de faire appel à des sons ou des instruments électroniques. À première vue la performance semble être un concert traditionnel avec des musiciens suivant une partition musicale “déjà” composée. Alors qu'en fait, la musique de Flood Tide n'a été ni pré-composée ni répétée, mais elle est générée en direct par l'interaction entre les variations de la marée et les algorithmes informatiques.

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Previewed (but not yet produced) events :

- Full 6 hour performance on the courtyard at the front of the Palais de Justice, Ile de Nantes, involving a large group of more 150 performers including orchestral musicians, voices, brass band, Breton drummers and bombard / fanfare musicians
- Flood Tide Online will allow the tide-generated notation to be available on the Internet to the public and to musicians around the world, for the duration of the festival. The Flood Tide scoring system will also be made available as a free iPhone / Android app for members of the public to download and join in on voices or instruments during the loudest central portion
- a series of 5 one-hour Flood Tide performances over one week at Quai des Antilles, Ile de Nantes, involving thirty musicians from local music schools and the conservatory of Nantes, and members of the former band Test Dept
- Flood Tide Orchestra : a concert performance of a segment (say 20 to 60 minutes) of live tide performed at the Cité des Congrès concert hall by the ONPL (Orchestre National des Pays de la Loire, conducted by John Axelrod)
- Flood Tide Pavilion : the set-up of a permanent place where it will be possible to follow the live score and for members of the public to play it when they wish. This pavilion must be located close to the banks of the Loire and could host 5 to 10 musicians.



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SOBRALASOLAS ! - episode 3

Live Radiopeneara
Piloté par / Propelled by Björn Eriksson
Commissioned by GRIM Marseille (F) Jun 2012

Live performance, with streaming parts between Montreal and Marseille
Marseille (F), GRIM - Sons de Plateaux #6 - June 22, 2012
Residency at GRIM, Marseille (F)

Premiere with
Caroline Bouissou (caroline), Björn Eriksson (miulew), Nathalie Fougeras (...), Emmanuelle Gibello (miss purple),
and simultaneously in Montreal : Jérôme Joy (jerome), André Éric Létourneau (algojo)(algojo)



English version
The title Sobralasolas! is taken from the novel Finnegans Wake by James Joyce. SOBRALASOLAS! does not have a preestablished scenario, tells no story and is not a documentary. It is rather a place for glossolalies and echolalias, on-the-fly recordings and collected improvisations. SOBRALASOLAS! combines collected and improvised sounds, with the aim of creating a new listening and auditory environment, which is both fictional and real, time-specific and site-specific. The participating artists could be all located at different places around the world, and they improvise from there, orienting themselves only to a jointly developed score and/or to a performance driven by listening and by intuitive playings. Nobody knows what could happen or not.
A continuation of the exploratory works of the Sobralasolas! a radio opera of live, streamed and recorded sounds, a collaborative project initiated in 2007 by Jerome Joy for a dynamic group of players. Each episode brings new perspectives around the collaborative ways to work on soundart / radiophonic / electronic music / improvisation both at distance and at near, telematic and direct.
For this third episode / "Mirror works" the group are working around the concept of mirrors. Mirrors are affecting the writing and composing. Episode 3 will are resulting in a mirrored performance where players are interacting and reacting through mirror interfaces according to a score which partly will be improvised, partly reflecting the sounds and texts and harmonics, partly reflecting the physical interfaces of mirrors. The coordinator of episode 3 is Björn Eriksson, one of the players in Sobralasolas team since 2007. Players for episode 3 are: Caroline Bouissou, Björn Eriksson, Nathalie Fougeras, Emmanuelle Gibello, Jérôme Joy and André Éric Letourneau.

French version
Hormis être une expression tirée d'un roman de James Joyce, qui lui même s'est inspiré d'une valse de José Juventino Rosas, Sobralasolas! est un "radio-opéra live". Ce projet initié en 2007 avec pour but de réunir plusieurs artistes internationaux, n'est ni une fiction, ni un documentaire radiophonique. La série d'épisodes n'a pas de scénario préétabli ni d'histoire à raconter. Mais Sobralasolas collecte et mélange sons enregistrés lors de field recordings (enregistrements sur le terrain), improvisations réalisées en direct et tout autre type d'interactions sonores allant de la création électroacoustique à une narration contextuelle ou aléatoire. L'idée du projet est de faire émerger à travers télescopages et croisements, concrètement et virtuellement (par une collaboration à distance), un univers où le temps, l'espace, la fiction et la réalité se confondent dans un contexte déformé et aformel. (GRIM)
Dans la continuation des oeuvres exploratoires de Sobralasolas!, initié en 2007 par Jérôme Joy, où chaque épisode apporte de nouvelles perspectives dans le travail de collaboration dans les champs du Sound Art, des arts radiophoniques et de la musique électronique. Pour ce troisième épisode, le groupe travaillera sur le thème du miroir. Les miroirs interfèrent avec l'écriture et la composition, et Mirror Works sera le résultat d'une performance où les musiciens interagissent et réagissent avec un réseau de miroirs, où les parties pourront être des improvisations, des "réflexions" sonores ou textuelles, ou encore la réflexion optique des miroirs en elle-même. (Björn Eriksson)



Performance / concert

Festival L'Écho d'un Fleuve, 2012
Parc des Pompiers (Dubuc / Lorimier (Ontario E))
16 juin - 8.30pm

Programme :

Le Péristyle Nomade mobilise artistes et créateurs pour réaliser des œuvres qui revalorisent et alimentent les rouages de nos communautés. Il met en place des plates-formes de diffusion alternatives ; l’art interdisciplinaire s’y affirme par des interventions impromptues, des dons d’œuvres éphémères ou durables, et des événements rassembleurs.
Laissant libre cours au métissage des disciplines, l'art urbain, l'art hybride, les performances et les nouvelles technologies s’insèrent dans le paysage urbain, tout en favorisant le dialogue avec la communauté. L'approche repose sur un ensemble d'interventions tantôt anonymes, tantôt revendiquées, s’affichant en tant qu’œuvres d'art dans l’espace urbain.
Le Péristyle Nomade est aussi un agent de transformation. Par le biais des arts, il redonne leur beauté aux espaces abandonnés, encourage l’appropriation de l’espace public, et crée un environnement fécond où peuvent se développer le rapprochement social et les principes d'autogestion.

Remerciements à Catherine Laronde, Élise Hardy, Nicolas Rivard, Max Stein

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Résidence de recherche

au laboratoire NT2 UQÀM Montréal
dans le cadre du programme Géographies Variables
du 1 au 30 juin

Research residency
at NT2 lab, UQÀM Montréal


  • Synema (2012), par Jérôme Joy - juin. 2012
    • Synema 1 (2012), filmer le vent/ filming the wind — version pour une webcam et un microphone en direct (version for two live distant locations in time / live streaming video webcams & selected sound by a live webmicrophone)
    • Synema 2 (2012), filmer le ciel/ filming the sky — version pour trois webcams juxtaposées et un microphone en direct (version for three live distant locations in time / live streaming juxtaposed video webcams & selected sound by a live webmicrophone)
    • Synema 3 (2012), espaces superposés (1) / surimposed locations (1) — version pour deux webcams superposées et un microphone en direct (version for three live distant locations in time / live streaming video webcams & selected sound by a live webmicrophone)
    • Synema 4 (2012), espaces superposés (2) / surimposed locations (2) — version pour deux webcams superposées et deux microphones en direct (version for four live distant locations in time / live streaming video webcams & selected sound by live webmicrophones)
    • Synema 5 (2012), l'internet acoustique / "acousticking" the Internet — version sans webcam : Le même lieu écouté simultanément 12 fois à l'aide d'un microphone ouvert en direct et en streaming(version with no webcam : The same location listened in time - simultaneously 12 times - live sound by a webmicrophone) — (Specially produced for WLD 2012)


Rencontres "Ceux Qui S'Organisent"

Organisées par Alphabetville

avec : Franck Cormerais, Emmanuel Verges, Mireille Batby, collectif APO33, collectif PING, Jérôme Joy

En collaboration avec ARPAN et dans le cadre de « 48h chrono » et du programme "Le Peuple Manque-t-il ?".

Roundtable "How People Organize Themselves"
organized by Alphabetville
with the participation of : Franck Cormerais, Emmanuel Verges, Mireille Batby, collectif APO33, collectif PING, Jérôme Joy

Samedi 19 mai, à 15H00
Hall Seita, Friche Belle de Mai, Marseille (F)


La création artistique nécessite des modes de production correspondant à ses activités et pratiques. Institués, encadrés, médiatisés,... ou alternatifs, singuliers, collectifs, les artistes trouvent des organisations ou organes convenant à leur travail, sinon ils les inventent. Que se passe-t-il dans les pratiques artistiques et culturelles liées au numérique et qu’est-ce qui est à l’œuvre dans la culture du numérique qui vient ? Technologies industrielles, tendant à couvrir l’ensemble des mediums et des formes d’expression, elles imposent ou supposent une économie, un devenir public, une circulation, des réseaux, qui lui sont propres, et par effet distribuent une situation nouvelle. Mais où se retrouve sempiternellement la problématique de la domination ou du partage. A travers quelques propositions telles qu’elles se développent à partir de la culture libre, une discussion et un échange sur ces processus organisationnels et leurs perspectives, avec des points de vue historiques et théoriques, des témoignages d’expériences, des documents, des présentations d’ici et d’ailleurs.
Modérateurs : Colette Tron, Alphabetville ; Emmanuel Vergès, ZINC

Alphabetville développe conjointement des activités de recherche théorique et de création artistique. Les questionnements se situent autour des notions d’auteur et d’écriture, de langages et de medias, et les réalisations se matérialisent sur divers supports techniques.


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Création / New work

Festival SonoR 2012

Festival de création radiophonique et sonore
Radio & Sound Festival
Histoires d'Ondes & JetFM

12 & 13 mar 2012
Nantes (F)


Canal est une œuvre électronique jouée en direct dans un environnement particulier : sur une péniche naviguant entre le Lieu Unique, le canal Saint-Félix et une partie de la rivière l'Erdre. Les auditeurs munis de casques stéréo sont les passagers et écoutent au fil de l'eau en plein air (8 voyages sur les deux journées, 8 improvisations en deux jours, 12 auditeurs par voyage). Le principe suivi par la musique jouée est celui, d'une part, de l'écoute physique, entre la sensation du bateau (le drone puissant de la péniche) et celle des corps fendant l'air lors du déplacement sur l'eau, et, d'autre part, de la tension entre mobile et immobile : la mobilité de la navigation et l'immobilité des passagers ; le paysage se déroulant et les matières sonores immersives de Canal, d'autant plus qu'elles sont écoutées au casque, qui oscillent continuellement et qui constituent au fur et à mesure une musique hypnotique.
Photos : Loïc Chusseau

Canal is a live electronic music played into a singular environment : a canal boat sailing between Le Lieu Unique, the Saint-Felix canal and the river L'Erdre. Listeners are equipped with stereo headphones and listen to with the stream (8 trips on two days, 8 improvised sets in 2 days, 12 listeners per trip). The principle followed by the music is, firstly, that of a physical listening out in the open, between the sensation of the boat (the powerful drone of the canal boat's engine) and that of the body through the air when moving on the water, and, on the other hand, the tension between mobile and motionless : mobility of navigation and the immobility of passengers ; the unfolding landscape and the immersive sounds of Canal, especially because we listen to with headphones, which continuously oscillate and which progressively develop a hypnotic music.



In Abécédaire du Web

Laboratoire NT2

Nouvelles Textualités / Nouvelles Technologies
UQÀM Montréal

à partir de mai 2012


Montréal, le 22 mai 2012 – Le Laboratoire NT2 (UQAM) lance sa première exposition en ligne sur son site Web, Abécédaire du Web. Fondé en 2005, le NT2 de l’UQAM s’intéresse à l’étude, la création et l’archivage de nouvelles formes de littératures et d’arts hypermédiatiques. http://nt2.uqam.ca.
Nocinema de Jérome Joy (1999) propose, dans un renversement intéressant, le flux, la composition sonore et la programmation comme cinéma à distance. Reprenant à son profit la phrase «Tout ce qui bouge sur un écran est du cinéma» de Jean Renoir, l’œuvre fait du Web un «anti cinéma», ou «cinéma improbable» selon Joy, qui reprend, en les actualisant par des stratégies de remixage, d’innombrables données diffusées en continu par diverses Webcaméras placées un peu partout sur la planète.
(Joanne Lalonde)
L'Abécédaire du Web est le premier projet de commissariat en ligne conçu et diffusé par le Laboratoire NT2. Cette exposition virtuelle propose un parcours exploratoire en vingt-six rubriques ou thématiques qui visent à mettre en valeur les enjeux esthétiques et critiques de la création hypermédiatique. Commissariat et textes: Joanne Lalonde. Ce projet a été soutenu par le Centre de recherche sur le texte et l'imaginaire FIGURA, le Fonds de recherche du Québec - Société et culture, et le Fonds Canadien pour l'innovation.


AI & SocietyWhat NMSAT says about sonification

In Sonification (what, where, how, why)

Special issue (Locus Sonus, Peter Sinclair, guest editor)

Actes du Symposium #6 (2010). Publication en collaboration avec le LAMES et le CRiSAP (Univ. of the Arts London) dans la revue AI&Society (Springer) n° 27.2, en 2012.
AI & Society Special issue (Springer), nr. 27:2, May 2012. Proceedings of the Locus Sonus Symposium #6 (2010). In collaboration with LAMES (Sociology lab), and CRiSAP Univ. of the Arts London.

Download the paper : http://locusonus.org/publi/2010_JOY_NMSAT_Sonification_AI&S_final_eng.pdf.zip
Download an unabridged version : http://locusonus.org/publi/2010_JOY_NMSAT_Sonification_AI&S_eng.pdf.zip

Issue abstract :
Artistic practice relating sonification to environments - Over recent years the use of data sonification has become increasingly widespread. There is a new or perhaps renewed consciousness of the particularities of aural perception, and we are learning to consider clicks, beeps, varying pitches or chords as carriers of significant information. Although much of this evolution is taking place in the technical realm, as a way of enhancing a user’s perception of important data, notably when their other senses are occupied (doctors during surgery for instance), interest in data sonification is also increasingly apparent in the realms of art and music. Artists are using sonification to introduce "real world", "real time" elements into their work, and composers are abandoning human decision making and fixed scores to leave space for variations derived from incoming data.

Paper abstract : (What NMSAT says about sonification)
NMSAT “Networked Music & SoundArt Timeline” is simultaneously a historical documentary database and a monitor of the evolution of networked music and sound art. Jerome Joy initiated the project in 2008 as part of Locus Sonus’ research program. The aim is to provide an overview of practices and techniques in the realm of networked music and sonic performance, from ancient history to the present day, through a collection of references to theoretical and critical texts, thereby offering a valuable resource available to artists and researchers. A future version of NMSAT will be publicly accessible online, open to contributions and collectively moderated by an international college of more than sixty artists and researchers. It will also become an editorial platform for analytical studies and other projects related to sound transmission and distance listening.
This article presents a sample of references issuing directly from the existing NMSAT database. The method employed – that of systematically probing the database - reveals forms of sonification but also hypothetical premises of sonification, covering the period from ancient times to the beginning of the twentieth century. The following are some of the categories of sonification that have emerged as a result of this search: Natural phenomenon & meteorology to sound (autophones); Image to sound; Text & communication to sound; Human & machine activities to sound (auditing); Localisation to sound (sonar); Architecture & geometry & abstract proportions to sound (scalization, transcription, & spatialization); Energy to sound; Human body to sound; Distance to sound (distance listening); Movement to sound (holophony, kynophony); Interpreted observations to sound (naturalist music, transpositions & analogies, paraphrasing). The search also uncovered other principals and practices in the vicinity of sonification including: audification, auditing, auscultation, auralization, soniculation, transduction, mapping, earcons, auditory icons, sympathy, echometry, etc. It has been decided to summarise the results of « What NMSAT Has To Say About Sonification » in this special issue of AI&Society, access to the unabridged version of article is available here : http://locusonus.org/publi/2010_JOY_NMSAT_Sonification_AI&S_eng.pdf.zip .
Keywords : sonification history, distance listening, networks, audio art, networked music, timeline, database


Peter Sinclair: 
Sonification: what where how why artistic practice relating sonification to environments. 173-175

Stephen Barrass: The aesthetic turn in sonification towards a social and cultural medium. 177-181

Jean Cristofol: 
Elephant fish and GPS. 183-187

John Eacott: 
Flood Tide: sonification as musical performance - an audience perspective. 189-195

Peter Gena: 
Apropos sonification: a broad view of data as music and sound. 197-205

Scot Gresham-Lancaster: 
Relationships of sonification to music and sound art. 207-212

Florian Grond, Thomas Hermann: 
Aesthetic strategies in sonification. 213-222

Stuart Jones: 
Now? Towards a phenomenology of real time sonification. 223-231

Jerome Joy: 
What NMSAT says about sonification. 233-244

Richard Kronland-Martinet, Sølvi Ystad, Mitsuko Aramaki: 
High-level control of sound synthesis for sonification processes. 245-255

Andrea Polli: 
Soundscape, sonification, and sound activism. 257-268

Peter Sinclair: 
Living with alarms: the audio environment in an intensive care unit. 269-276

Lorella Abenavoli: 
The Pulse of the Earth and sonification. 277-279

Stephen Barrass: 
Sonifications for concert and live performance. 281-283

Jens Brand: 
GP - We play the world - What do you play? 285-286

John Eacott: 
Instant music? Just add water. 287-288

Scot Gresham-Lancaster: 
Waveguide synthesis for sonification of distributed sensor arrays. 289-292

Florian Grond: 
Safety Certificate: an audification performance of high-speed trains. 293-295

Stuart Jones: 
Sonification: the element of surprise. 297-298

Andrea Polli: 
Atmospherics/Weather Works. 299-301

Marty Quinn: 
"Walk on the Sun": an interactive image sonification exhibit. 303-305

Richard Kronland-Martinet, Thierry Voinier, David Calvet, Claude Vallée: 
Cosmic ray sonification: the COSMOPHONE. 307-309

Peter Sinclair: 
RoadMusic. 311-313

Atau Tanaka: 
The sound of photographic image. 315-318

Victoria Vesna: 
Vibration matters: collective blue morph effect. 319-323

Valentina Vuksic: 
Tripping through runtime - Computer concrète. 325-327


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Julien Ottavi, Kasper T. Toeplitz, Jérôme Joy, Emmanuelle Gibello

Soirée Unique

Symposium Locus Sonus
Le Lieu Unique

24 mar 2012

24 mars / March 24th
21h - 23h / entrée libre / free entrance
Le Lieu unique / foyer haut
avec / with :
ximena alarcón / avatar orchestra metaverse / jérôme joy / julien ottavi / matthieu saladin / mariateresa sartori / kasper t. toeplitz /
avec la participation exceptionnelle / with the special participation of :
pauline oliveros / bill fontana
guests : ione, emmanuelle gibello

En collaboration avec / In collaboration with Locus Solus Festival, Le Lieu Unique, Nantes

A l'occasion de cette soirée unique, ce quartet improvisé et d'improvisation réunit pour la première fois ces quatre musiciens et compositeurs. Trois d'entre eux sont présents avec le public et le quatrième en réseau, en utilisant des techniques de streaming pour jouer ensemble.

Emmanuelle Gibello, basée à Paris, mêle sons enregistrés, sons traités et sons électroniques dans la réalisation de compositions électroacoustiques et de performances entre improvisation et comprovisation. Jérôme Joy est un compositeur de musique instrumentale, électroacoustique et électronique utilisant des sons détournés et des feedbacks, et proposant des expériences d'écoute très physiques et immersives. Julien Ottavi, membre fondateur d'Apo33 et média-activiste, est un des acteurs majeurs du son/bruit, en faisant croiser art sonore, poésie sonore, nouvelles technologies, bricolage de dispositifs électroniques et performance physique. Kasper T. Toeplitz est compositeur et bassiste électrique, développant la nouvelle musique électronique ou « noise music » à partir de l'ordinateur qu'il conçoit comme un instrument à part entière. http://scenophonie.net/ http://jeromejoy.org/ http://noiser.org/ http://sleazeart.com/

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Photos : Anne Roquigny


../files/img/201203_logo_locusonus_small.jpgSYMPOSIUM LOCUS SONUS

Comment nos pratiques d'écoute se modifient

What are the new forms of listening ?

24 & 25 mars 2012 / March 24th & 25th 2012
École nationale supérieure d’architecture de Nantes et Le Lieu Unique.
Nantes, France

Programme complet / Info and details : Locus Sonus, http://locusonus.org/

24 & 25 mars 2012 / March 24th & 25th 2012
9h-12h & 13h30-17h
École nationale supérieure d'architecture de nantes / amphi 250
Organisé par / Organised by : Locus Sonus, Jérôme Joy

avec / with :
ximena alarcón / samuel bordreuil / anne bossé / julien clauss / stéphane cousot / alejo duque / bill fontana / marcus gammel / jérôme joy / anne laforet / grégoire lauvin / anselm nehls / katrin moll / pauline oliveros / julien ottavi / anthony pecqueux / marilou polymeropoulou / alain renaud / matthieu saladin / mariateresa sartori / peter sinclair / bruno suner / kasper t. toeplitz.
et participants à distance / and remote participation :
scot gresham-lancaster / jocelyn robert / atau tanaka

24 mars / March 24th
21h - 23h / entrée libre / free entrance
Le Lieu unique / foyer haut

avec / with :
ximena alarcón / avatar orchestra metaverse / jérôme joy / julien ottavi / matthieu saladin / mariateresa sartori / kasper t. toeplitz
avec la participation exceptionnelle / with the special participation of :
pauline oliveros / bill fontana
guests : ione, emmanuelle gibello

En collaboration avec / In collaboration with Locus Solus Festival, Le Lieu Unique, Nantes

Un auditorium est un lieu d'écoute.
1/ Quelles sont les nouvelles formes d'écoute ? quels sont leurs enjeux et leurs objets/objectifs ? Quels imaginaires animent-elles ?
2/ Cette diversité actuelle des modes de réception et d'écoute est-elle en train d'"augmenter" ou de "restreindre" notre perception de l'environnement et du présent sonore ?
3/ Comment modifie-t-elle notre écoute et réception des productions artistiques ?
4/ Comment se structurent, se mobilisent et se développent ces nouveaux auditoriums ?

5/ Quels sont les moyens et les conditions pour "instrumenter" ces modes particuliers d'écoute ? Comment les techniques actuelles inscrivent ou prescrivent-elles des modes particuliers d'écoute, et construisent-elles de nouvelles acoustiques ?
6/ Quelles sont les conditions de ces auditoires, dynamisant l'écoute individuelle et l'écoute collective, ainsi que celles de leur arraisonnement, de leur participation, et de leurs modes de partage, d'action et de présence ?
7/ En quoi modifient-elles et influencent-elles les pratiques artistiques (sonores et musicales), et, de manière plus large, les pratiques sociales de l'écoute ?


An auditorium is a place of listening.
1) - What are the new forms of listening ? What are their purposes and what issues do they raise ? What realms of imagination do or can they engage ?
2) - Does the current diversity of reception and listening modalities, increase or restrict perception of our sound environment in its temporal and spatial immediacy or expansion ?
3) - How are new auditoriums modifying our reception and perception of different artistic productions ?
4) - What are their structural characteristics, how are they set up and developed ?
5) - What are the means and conditions necessary for the instrumentation of these particular types of listening ? How do current techniques establish and encourage specific forms of listening and perception, and how do they participate in building new ‘acoustics’ ?
6) - What conditions favour the formation of these audiences, who engage in both individual and collective listening? How are these specific modes of action, participation and sharing approached and apprehended ?
7) - How do they modify and influence artistic practice (related to both music and sound) and from a wider point of view, social auditory praxis ?


2012-02 / 2012-05

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ARCHIVE 1996-2004

17 Feb - 28 May 2012
L'Institut des Archives Sauvages
Centre National d'Art Contemporain, Villa Arson, Nice (F)

The Primitive Archiving & Archivology Institute
Contemporary Art Center, Villa Arson, Nice (F)

Exposition collective / Collective Exhibition :
w/ Åbäke (F - SW - UK), Eva Aeppli (SW), Bertille Bak (F), Andrea Cera (I), Collective JukeBox (F), Sylvie & Chérif Defraoui (SW), Patrick Everaert (B), Christoph Fink (B), Ryan Gander (UK), Joana Hadjithomas & Khalil Joreige (LEB - F), Susan Hiller (USA), Christoph Keller (G), Mike Kelley (USA), Alexandre Lenoir (F), Matt Mullican (USA), Daphné Navarre (F - AUS), Anna Oppermann (G), Dan Peterman (USA), Julien Prévieux (F), Kit Rangeta (F), Michael Riedel (G), Alain Rivière (F), Ian Simms (SOUTH AF - F), Jules Spinatsch (SW), Tatiana Trouvé (I - F), Patrick Van Caeckenbergh (B), Franz Erhard Walther (G), Tamara de Wehr & Joshua Burgr (SW - USA).

Membres de l'Institut des archives sauvages / Members of the Institute :
Jean-Michel Baconnier, Christophe Kihm, Eric Mangion, Florence Ostende et Marie Sacconi.

COLLECTIVE JUKEBOX 4.04 , http://collectivejukebox.org/
557 artists, 1487 sound & music works.
a project devised and set up by Jérôme Joy and propelled by ICI Editions (Nice).
« The French composer Jérôme Joy has been concerned with building musical communities and with alternative forms of making music accessible. His "Collective Jukebox" project (started in 1996) involved building a jukebox that could play recordings by experimental musicians from around the world. He then asked people all over the planet to contribute recordings and to let their friends and acquaintances know about his open invitation. He did not curate the recordings; rather, he included everything that was sent to him. He wanted to create a kind of musical "commons," where information from anyone who wanted to participate would be available. The jukebox has been installed in a series of art museums around Europe for the past eight years, where its music is available for the public to hear and explore. Jérôme Joy wants to create a place where people who are interested in listening to newer forms of sonic creativity can easily find that work. Joy's work is an example of a composer trying to establish a new basis for musical and artistic community. » (Warren Burt, "Experimental Music in 2005", In "World Music Today")
« Collective JukeBox is a free open audio "workspace" which began in 1996. Since the beginning, the project has taken different forms - from audio compilation to audio events, and since '98 to the development of a ‘networked’ juke-box project based on the concept of a "co-op system server" in parallel to the present "sound system" juke-box machine interface. The project was continuously evolving with different public interfaces ‘connected’ to the self-managed database (such as an audio repository). Its development and managing environment is based on a "groupware" and collective principle. As one goes along, the database is offering audio contents continuously updated and fed with the help of this co-op and ‘social’ system ("materialized" by the server's engine and the juke-box machine). This content can be easily extended to other interfaces such as an online free audio database, for instance. The contents are solely dependent on the participants, identified or unidentified, deliberately and intentionally. » (From Dorothee Richter, "Kompilationen & Databases", Kunstlerhaus Bremen, 2003)

COLLECTIVE JUKEBOX 4.04 , http://collectivejukebox.org/
Version redux 2011, 557 artistes, 1487 œuvres sonores et musicales.
Le « Collective JukeBox » est un projet d'une collection évolutive d'œuvres sonores et musicales qui a débuté en 1996 et s'est clos en 2004. Actif durant ces années car nourri continuellement par les artistes, ce projet est présenté aujourd'hui en tant qu'archive. Il a pu prendre par le passé différentes formes – d'une compilation à des diffusions outdoor et radio jusqu'à celle d'un juke-box, à partir de 1998 –, poursuivant l’idée d’un dispositif coopératif en réseau, c'est-à-dire d’un programme de production et de diffusion d'œuvres géré par les artistes à un niveau international. L'accès à cette archive permet aujourd'hui d'écouter les œuvres sonores et musicales de toute une génération marquée par le développement de l'audio-numérique et des réseaux électroniques. La dimension collective fut un moteur essentiel de cette recherche, touchant sa production, sa diffusion, mais aussi son éclectisme, puisqu’elle fut ouverte aussi bien aux domaines de l'art sonore qu’à celui des musiques alternatives ou électroacoustiques, accompagnant l'émergence de pratiques nouvelles, re-dynamisant des pratiques historiques tout en questionnant les rapports à des cultures populaires. Le « Collective JukeBox » a enfin relayé et continué d'autres projets de collections, plus documentaires et éditoriaux, comme ceux de William Furlong ("Audio Arts cassettes", 1973-91) ou de Maurizio Nannucci ("Zona Archives", 1974-1985), ou encore les revues sonores "Aerial: A Journal in Sound" (1990-1995), "Radius: transmission from broadcast artists" (1993-1998), "Tellus Audio Cassette magazine" (1983-1993), etc. Cette version 4.04 du projet présente et donne l'accès à l'intégralité des œuvres qui ont contribué au projet collectif depuis 1996

Villa Arson Nice
20 av. Stephen Liegeard
06105 Nice Cedex 2



Collective JukeBox 4.04, archive 1996-2004, 2011 Collective JukeBox 4.04, archive 1996-2004, 2011 Collective JukeBox 4.04, archive 1996-2004, 2011
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../files/img/201202_artrecherche.jpgCOLLOQUE ART & RECHERCHE
Art et recherche : la recherche en art et dans l’enseignement supérieur artistique

Du 8 au 10 février 2012, Paris, École nationale supérieure d’architecture de Paris-Belleville.

Lectures and keynotes by Jérôme Joy :
- Locus Sonus, http://locusonus.org/
- Ph.D. at University Laval Quebec (Internet Auditoriums)
- participation to the roundtable "Postgrad studies, Ph.D., etc."

« Art et recherche : la recherche en art et dans l’enseignement supérieur artistique » combine un forum des écoles supérieures d’art et un colloque international sur la recherche en art, qui se tiendront les 8, 9 et 10 février 2012 à l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-Belleville, à l’initiative de la Direction générale de la création artistique du ministère de la culture et de la communication et organisé par l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy.

Forum de la recherche des écoles supérieures d’art le 8 février 2012 de 15h à 19h
Premières rencontres nationales de la recherche des écoles supérieures d’art, sous tutelle du ministère de la Culture et de la Communication, le forum propose six plateformes de présentation des lignes de recherche développées par les artistes, enseignants, chercheurs dans les écoles supérieures d’art dans les domaines de l’art, du design, des sciences humaines et du numérique. Il concerne les artistes, enseignants et étudiants impliqués dans les projets de recherche et leurs partenaires.



Jean Dupuy / Jérôme Joy,
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4.320.000 SECONDES
Jean Dupuy / Jérôme Joy

Concert de Secondes (Seconds concert) : a sound installation with 20 small clocks with written and drawn discs, and amplified with the help of transducers and loudspeakers ; 20 revolutions and whirrings.

20 jan. 2012 - 10 mar. 2012
Galerie Leovenbruck

6 rue Jean Callot, Paris 6e

CONCERT DE SECONDES/ Jean Dupuy, Jérôme Joy (2011), Installation sonore
Une vingtaine de systèmes d'horloges est disposée sur un mur. Chaque système porte à la place des heures et des aiguilles un disque en carton (dessiné, écrit) fixé sur l'axe de l'horloge. Les secondes s'égrenant, les disques tournent lentement. Chaque système d'horloge est amplifié à l'aide d'un micro-contact et de haut-parleurs. L'ensemble produit un "bruissement" de l'égrénement des horloges ensemble comme concert à écouter et des révolutions continues à regarder.

Press Release / Communiqué de presse : http://www.loevenbruck.com/media/download/expos/files/CP_dupuy_DEF.pdf

Jean Dupuy / Jérôme Joy, Jean Dupuy / Jérôme Joy, Jean Dupuy,
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19 mécanismes d’horlogerie sur piles, feutre sur papier, bois, peinture, collage ;
10 tables de mixage ; 20 enceintes actives ;
110 x 300 x 19,7 cm
Gouache et graphite sur papier ; 29,7 x 21 cm
Photos : Fabrice Gousset

past events/archives20112010 & ...


2011-02 - auditoires

../files/articles/julesverne/rayonvert.jpg../files/articles/julesverne/helice2b.jpgJULES VERNE ET LA MUSIQUE
les auditoires, les inventions musicales, la « noise » et les aventures acoustiques

Essai en langue française. (an English translation will be soon available)
Cette étude fait partie de mon travail de recherche sur les Auditoriums Internet.

Still in progress (Travail en cours)

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L'intention de cette étude est de relever dans les écrits de Jules Verne (1828-1905) et dans son cycle des Voyages Extraordinaires, les descriptions et anticipations qui touchent à la musique et plus précisément aux modifications de la musique et de l'écoute par les techniques et les technologies de communication qui se trouvaient en plein développement à la fin du XIXème siècle.
Sans être un précurseur ou un « inventeur », Jules Verne a su imaginer, entre autres, des manières de faire et d'écouter de la musique dans ses récits futuristes à partir de prolongements, de combinaisons et d'applications judicieux des inventions techniques et industrielles de son époque.
La réception (l'écoute) est la plupart du temps plus importante que la technique de transmission elle-même : écouter et pouvoir écouter telle chose (une voix, une musique, des bruits, etc.) d'une manière étonnante (ensemble, sans voir, en direct et à distance, etc.) dépasse la technique employée même si cette dernière est rendue prémonitoire (par le biais de l'écriture et de la fiction) par rapport aux états scientifiques de l'époque.

2011-02 - telemusique


Essai en langue française. (an English translation will be soon available)
Cette étude fait partie de mon travail de recherche sur les Auditoriums Internet. La plupart des chapitres sont aujourd'hui disponibles..

Still in progress (Travail en cours)

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Si la musique en réseau est situable et située dans l’histoire, nous devons sonder et examiner à nouveau sa définition au regard des développements, engendrés par les investigations technologiques et par les propositions musicales et sonores, qui modifient les natures de l’interprétation, de l’organologie, de la lutherie, des pratiques d’écoute et de la composition (instrumentale et électroacoustique/électronique). Nous sommes amenés à clarifier et à distinguer les caractéristiques des dispositifs en réseau quant à leurs constituants musicaux. Cette première exploration pourra ouvrir de nouvelles études et analyses sur ces objets et nous permettre d’approcher et de mettre à jour les enjeux actuels et communs, présents dans la recherche et dans les pratiques artistiques. Nous sommes certainement au début d’une ère musicale marquant le développement des formes musicales de collaboration et de participation en ligne et en réseau. Simultanément à cette exploration il semble nécessaire de continuer à interroger les notions historiques musicales et à élucider les nouveaux problèmes et problématiques qui progressivement apparaissent au sein de ces pratiques, d’auteur et d’auditeur, impliquées dans les relations et les intrications entre musique et technologies, tout autant que les modifications et corrélations sociales qu’elles décèlent ou prolongent.
Il semble opportun de considérer et de bâtir aujourd’hui un historique de la télémusique, c’est-à-dire de mettre à jour un corpus, d'une part, de visions et d'anticipations littéraires, et, d'autre part, d’expériences et de réalisations artistiques qui ont exploré la prise en compte d’interconnexions d’espaces (par les transports de sons) et de l’écoute à distance au sein même du processus musical et de la réalisation sonore. Cet historique participe aussi à une investigation singulière concernant des changements de paradigmes dans le dernier quart du XXème siècle qui se poursuivent en ce début du XXIème siècle : 1) le passage de l’art sonore, dit historique, à l’art audio; 2) le développement musical d’instruments spatiaux; et 3) l’entrée de l’écoute à distance dans la typologie des écoutes. Prolongeant l’« Euphonia » d’Hector Berlioz, « Giphantie » de Tiphaigne de la Roche, ou encore le clavier microphonique du « Roi-Lune » imaginé par Guillaume Apollinaire, et finalement, le « Telharmonium » de Thaddeus Cahill, la télémusique ou musique en réseau est en pleine évolution — musique distribuée, répartie dans des espaces acoustiques et virtuels interconnectés au travers desquels les sons sont transportés, captés, joués et diffusés.

2011-02 - écoute

‘Entuziazm’, Dziga Vertov, 1931
‘Entuziazm’, Dziga Vertov, 1931‘Entuziazm’, Dziga Vertov, 1931‘Entuziazm’, Dziga Vertov, 1931‘Entuziazm’, Dziga Vertov, 1931
CIRCUITS D'ÉCOUTE — UNE ÉPOQUE CIRCUITÉE — Réflexion sur l’organologie des arts en réseau : Le passage de l’Internet à un état musical

Essai en langue française. (an English translation will be soon available)
Cette étude fait partie de mon travail de recherche sur les Auditoriums Internet.
(Texte publié partiellement dans la revue Intermédialités, No. 13 - "Programmer", Université de Montréal (QC), avril 2010, pp. 56-76)

Still in progress (Travail en cours)

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Listening Circuits — A Circuited Era — Reflections on organology of networked arts : the musical shift of the Internet or On the move of the Internet to a musical step — This article opens questions related to our practices and experiences of listening in radio, recordings, walkman, podcasting, and cinema, but also by probing some aspects of the history of listening in order to analyse our practices of the Internet.
Why is it necessary to elaborate an organology of network arts ? Can artistic practices put forth reconstructions and "re-programmings" of circuits, where things are out of tune ? Programming involves manufacturing circuits, grids and spaces of connections where artworks take form and create a wide range of situations. The concept of extended music that is proposed in this article related to the nascent musical state of electronic networks (the Internet) in the development of its agogical and organological dimensions. This shift concerns our capacities to slow down and decelerate the fluxes by condensing and "interpreting" them, as well as our ability to compose our courses and navigations through networks by marking and leaving traces of our passages in spaces and on telematic surfaces. This embodiment related to our experiments with social, technical and legal contexts and controversies, asks to assemble our perceptions and manufactures by programming, composing and re-composing circuits.

Cet essai parcourt nos pratiques de l'écoute au travers la radiophonie, l'enregistrement phonographique, la balado-diffusion jusqu'au cinéma, mais aussi en sondant certaines histoires de l'écoute, afin d'interroger nos pratiques de l'Internet.
Pourquoi faut-il penser une organologie des arts en réseau ? Les pratiques artistiques peuvent-elles proposer des reconstructions et des re-programmations de circuits de réception et d’émission, là où les choses semblent socialement, juridiquement et techniquement dissociées et désajustées dans notre quotidien technologisé ? Programmer c’est « construire » des circuits, des associations d’organes, des circulations d’actions, et des espaces de connexions dans lesquels les œuvres, que nous pourrons prendre dans un sens large, i.e. les productions humaines, prennent forme et créent des situations appropriables, de manière critique, à la fois individuellement, en commun et collectivement. Ceci relève, d’une part, de nos capacités à moduler et ralentir les flux pour échapper au temps asservi de nos technologies, et, d’autre part, de nos potentiels d’attention et d’écriture à tracer nos parcours, à émettre nos annotations sur les choses reçues, et à assembler des perceptions et des fabrications, c’est-à-dire à programmer, composer et recomposer des circuits, des espaces critiques et des différends, et donc ainsi des liaisons et des reconnaissances sociales. N’est-ce pas ce que nous faisons quotidiennement dans le contingent et dans nos décisions face à lui pour construire nos récits, nos hypothèses et nos fictions ?

2011-01 - nocinema

../files/img/201102_nocinema.jpgNOCINEMA, études / studies
Nocinema : composition live en ligne et cinéma à distance
(Flux-matériaux, composition/programmation, dispositifs collectifs)

Essai en langue française. (some parts of these studies are in French, but all the video documentation is available)

Documentation & references concerning cinema studies around the nocinema.org project
Travail de documentation cinématographique autour du projet nocinema.


Still in progress (Travail en cours)

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Presented in its first version at the Walker Art Center in Minneapolis at the end of the nineties, nocinema.org is an ever-evolving streaming application developed by Jérôme Joy: French artist and composer. This project is a net-based documentary/fiction of web interludes that appear differently each time. Nocinema.org can be interpreted as an improbable cinema or a movie in which both actors and action appear to have wandered out of shot, having no beginning and no end, no participants and no storyboard, except perhaps subjective interpretations born of an impulse to impose purpose and meaning upon random stimuli. Nocinema.org is an automatic process, drawing upon strings of live streaming webcams across the world, transmitting live scenes collected from different locations with added panoramic movements and temporized on-line editing. The sound, each time offering a different overlay, comes from a sequenced shared database which is fed and updated by a team of sound artists/partners, including Magali Babin, DinahBird, Christophe Charles, Yannick Dauby, Emmanuelle Gibello, Jérôme Joy, Luc Kerléo, Alain Michon and Jocelyn Robert.

Présenté dans une version initiale au Walker Art Center à Minneapolis à la fin des années 90, nocinema.org est une application en ligne développée par Jérôme Joy. Ce projet est un documentaire/fiction en ligne et une série d’interludes pour le web, dont les déroulements ne sont jamais identiques. Nocinema.org est en quelque sorte un cinéma improbable et un film sans début ni fin, sans acteurs ni scénario, excepté les histoires que nous pouvons nous construire en suivant le fil des images et des sons streamés. Nocinema.org est un système automatisé construit sur des processus de sélection de streaming webcams en direct autour du globe, captant des "plans" dans différents lieux, panoramisés et temporisés par le montage généré en ligne. Les sons, organisés à chaque fois selon des mixages calculés en direct, proviennent d’une base de données sonores continuellement alimentée et mise à jour par une équipe de complices : Magali Babin, DinahBird, Christophe Charles, Yannick Dauby, Chantal Dumas, Emmanuelle Gibello, Jérôme Joy, Luc Kerléo, Alain Michon et Jocelyn Robert.

2011-01 - distance listening

Kawai Shiu: ‘Tung O Processional’, Around Festival 2009DISTANCE LISTENING / EXTENDED MUSIC - "OUT IN THE OPEN"

Article in English — Essai en langue française.
A Chinese version is also available

Published in 《Around 聽在》, Edited by Yang Yeung and soundpocket, oct. 2010, pp. 104-149, Hong Kong, Hong Kong Arts Development Council.
Texte publié dans le livre 《Around 聽在》, par soundpocket et Yang Yeung, oct. 2010, pp. 104-149, Hong Kong, Hong Kong Arts Development Council.

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The reason why today I wish to explore the conditions of an extended music, through concerts and performances, most of the time improvised, based on minimum saturation and intensity of acoustic spaces (“merging into the surroundings”) and the devices of networked music (or ”telemusic”) or distance listening in which the alien, fortuitous and the “set” interfere through the rebuilding of perceptions of distance and spacing, is because it seems to me that music is linked to the fabrication of listening experiences. One needs to explore and experience this fabrication in order to question our surroundings; The sounds I listened to at Tung O Beach on Lamma island during the Around festival organized by soundpocket, based on my past experiences as a listener of “outdoor“ shows by Akio Suzuki and the work of Kawai Shiu, have haunted me until now. These sounds mix with my thoughts about extended music. Both artists, each in her own way, collaborate with the environment and experiment with acoustic expanses. Both events by Suzuki and Shiu are able to modify at the same time our participation as listeners and our perception of what music is made of, between what is being played and what is receiving these sounds played. Both events participate in an art of roaming. Against the speediness and performance of our techniques, is it possible to adopt, with and without these, another pace, slowed down, even stopped or fluctuating unevenly? Is it possible to travel and come back, with circumlocutions and interruptions? In short, is there a time to experiment vastness together ?

Si j’explore aujourd’hui les conditions d’une musique étendue, au travers et simultanément de concerts et de performances, la plupart du temps improvisés, basés sur des saturations et des intensités minimales d’espaces acoustiques (« passer dans le décor »), et de dispositifs de musique en réseau (ou « télémusique ») et à distance dans laquelle il s’agit que l’exogène, le fortuit et le « décor » s’immiscent, par la reconstruction des perceptions des distances et des espacements, c’est parce qu’il me semble que la musique est liée à la fabrication des écoutes, fabrication qu’il faut explorer et expérimenter, afin d’interroger nos alentours ; Ce que j’ai écouté à Tung O Beach sur l’île Lamma, lors du festival « Around » organisé par soundpocket, avec les expériences en tant qu’auditeur des performances « outdoor » de Akio Suzuki et de l’œuvre de Kawai Shiu, m’a poursuivi jusqu’à présent et est venu dialoguer avec les réflexions sur la musique étendue. Toutes deux, et chacune à sa manière, collaborent avec l’environnement et jouent avec les étendues sonores. Les deux événements de Suzuki et Shiu parviennent à modifier à la fois notre participation en tant qu’auditeur et notre perception de ce qui fait musique, entre ce qui est joué et ce qui accueille ces jeux.Ils participent tous les deux à un art de l’égarement. Face à la célérité et la performance de nos techniques, nous est-il possible d’adopter, avec (et sans) elles, un rythme autre, ralenti, voire arrêté ou variant inégalement, jusqu’à des aller-retour et des détours, des suspensions, bref, un temps pour expérimenter en commun des étendues ?

2011-01 - auditoriums

Yannick Dauby: a phonographerINTERNET AUDITORIUMS

Essai en langue française. (not yet available in English)
This research is the backbone of my Ph.D. cursus at Laval University Quebec (CAN)

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This research project focuses on the act of listening modified by distance. The concept and the practice of listening is modified by the contemporary context of electronic networks (Internet). This context, which follows the development of telecommunications and in particular the telephone, introduces new dimensions to the act of listening related to the question of distance problematized by sound, and vice-versa. Although this question has not yet been studied, it is evermore present and identifiable in current networked art & music. Networks are unique in the sense that they allow real-time interaction and connections between places, and influence our perception of time and space. Thus the Internet has become a particular place, among others, of public audience. Today we can question the nature and specifity of the ‘Internet auditorium’ in relation to developing practices of ‘distance listening’, related to combinations of local and remote sound spaces. Indeed a comprehension of the history of the evolution of listening practices is essential for creating a context for the exploration of today’s music and sound art on networks. How are practices of ‘distance listening’ « instrumented », ie what are the modalities and effects involved in or provoked by the different types of Internet listening and to what extent can they be identified as a specific entities ?

Un auditorium est un lieu d'écoute.
Ce terme réfère autant à l'architecture qui accueille la situation d'écoute (salle de concert, théâtre, etc.), le "lieu", qu'au dispositif qui permet à un auditoire ou à un ensemble d'auditeurs d'être présent dans une situation d'écoute qui la plupart du temps est partagée, collective et simultanée, mais qui peut être aussi asynchrone et distribuée : un "espace" d'écoute.
Distinguer un auditorium demande à considérer une structure cohérente (quels que soient les éléments constituants de cette situation d'écoute) d'un lieu, ou d'un espace d'écoute, et d'un moment, d'une action, celle d'écouter (la captation, la sollicitation, et la participation de l'attention auditive, d'une manière ou d'une autre).
Ce qui est vérifié dans notre expérience et culture de la radio depuis le début du XXème siècle, peut-il être poursuivi et renouvelé, de manière différente et avec d'autres structures, par l'Internet ?
Poser et mettre à jour la notion d'auditorium vis-à-vis des configurations récentes de co-présence aidées par les technologies (particulièrement celles de réseau - streaming, podcasting, soundmap, net-music, VOIP, etc.), peut permettre de discerner des écarts avec les modalités régulières et canoniques des écoutes collectives (concert, exposition, radiophonie, supports de diffusion, etc. ) et de distinguer ainsi des formes résultantes (de production, de diffusion et de réception) qui sont modifiées par les conditions de ces contextes électroniques.
1/ Quelles sont les nouvelles formes d'écoute ? quels sont leurs enjeux et leurs objets ? Quels imaginaires animent-elles ?
2/ Cette diversité actuelle des modes de réception et d'écoute est-elle en train d'"augmenter" ou de "restreindre" notre perception de l'environnement et du présent sonore, tout autant que de modifier notre écoute des productions artistiques ?
3/ Comment se structurent et se développent ces nouveaux auditoriums ?
4/ Quels sont les moyens et les conditions pour "instrumenter" ces modes particuliers d'écoute ? Comment les techniques actuelles inscrivent ou prescrivent-elles des modes particuliers d'écoute, et construisent-elles de nouvelles acoustiques ?
5/ Quelles sont les conditions de ces auditoires, dynamisant l'écoute individuelle et l'écoute collective ?
6/ En quoi elles modifient les pratiques artistiques (sonores et musicales) ?

2011-01 - sound art

../files/articles/soundartexhibitions/2004klangraume_2b.jpg../files/articles/soundartexhibitions/2004rocksrole_1b.jpgSOUND ART EXHIBITIONS TIMELINE (SAET), 1964-2004

This timeline of sound art exhibitions was written in order to obtain a historical scope of the development of the sound art practices into the contexts of contemporary art and artistic shows in general. The main criteria used for selection was a collective public presentation of sound and musical works (which overlap the concert framework such as installations, performances, etc., ie sound and music events which use another public configuration than the presentation on a stage, and which haven't a beginning nor an end) under a topic, a theme or a specific question and problem expressed by the title of the event. The hypothesis developed while probing this timeline would point out that, public forms of the « Music of Sounds » (according to Leigh Landy) are explored by artists and public organizations beyond the principle of genre (art, music).

Cet historique des expositions d'art sonore provient de différentes études qui ont permis d'obtenir un panorama des pratiques sonores dans le contexte de l'art contemporain et des présentations artistiques en général. Le principal critère de sélection était la présentation collective d'œuvres sonores et/ou musicales (c'est-à-dire qui dépassent le cadre traditionnel du concert, comme par exemple les installations, les performances, etc. et tout événement sonore et musical qui se présente dans une configuration publique autre que la scène, et qui propose une dimension sans début ni fin), annoncée sous une thématique, ou une question et problématique spécifiques exprimées par le titre de l'événement lui-même. L'hypothèse proposée au travers de l'établissement de cet historique voudrait faire ressortir la spécificité des formes publiques de ce que nous pouvons appeler la « Musique des Sons » (terme amené par Leigh Landy), qui sont explorées par les artistes et les structures artistiques au-delà de la distinction de genres (art, musique).

Still in progress (Travail en cours)

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2011-01 - jerome joy

Jerome Joy, Hong Kong, 04/2010Mario Gauthier, Montreal, 2011NO BEGINNING, NO END — JÉRÔME JOY : MODES D'EMPLOI
par Mario Gauthier

Essai en langue française. (not yet available in English)

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Sollicited by the Canadian research magazine "Intermédialités", Mario Gauthier wrote this study (No Beginning, No End — Jérôme Joy : Instructions for Use) in 2009, starting from explorations and observations on my work. This article is unpublished. — Mario Gauthier studied in musicology and composition techniques. He also educated himself in orchestral direction, orchestration, musical arrangement, radio, phonography (recording and reproduction of sound), and cinema history.In 2005, he was briefly consultant, producer and host in classical and contemporary music for the internet radio station Radiolibre.ca. Before that, from 1988 until 2004, he was also producer and host for the ex-Chaine culturelle of Radio-Canada. (source : site electroCD). Audio artist, he's presently consultant for the musical organization Le Vivier (http://www.levivier.ca/ ) and regularly plays with the electronic music quartet Theresa Transistor (Christian Bouchard, Christian Calon, Mario Gauthier & Monique Jean) (http://www.youtube.com/watch?v=yUUe2QLjonA ).

Abstract : The compositional approach of Jérôme Joy is “pluri- multiform” in that it combines in an undifferentiated whole musical acoustic or electronic instruments, computer applications and a diversity of plurial sound practices such as electroacoustic music (aka concrete music), improvisation, performance, computer modelings, networkings, etc.. This particular interbreeding generates perceptive unforeseeable objects in constant mobility. This article tries to highlight, by considering them under various angles, some of the formal, esthetic and esthesic resultants generated by these process. In fact, this kind of practice questions directly the idea involved by what is a “work of art” as it is designed traditionally and perhaps especially, the perception that is attached to it. (Mario Gauthier)

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En 2009, Mario Gauthier a rédigé une étude sur mon travail. Il m'en a fait la surprise, menant cette exploration à l'occasion d'une sollicitation de la revue canadienne "Intermédialités". Cet article n'a jamais été publié. — Artiste audio et musicologue de formation, Mario Gauthier a aussi étudié les techniques d’écriture musicale (arrangement, orchestration, composition) et, de manière autodidacte, la direction d’orchestre, l’histoire du cinéma, de la radio et celle de la phonographie (histoire de l’enregistrement et de la reproduction du son). En 2005 il a été consultant, réalisateur et animateur d’émissions radiophoniques (musique classique et actuelles) pour la station internet Radiolibre.ca. Il a été auparavant réalisateur et animateur d’émissions radiophoniques à l’ex-Chaîne culturelle de Radio-Canada (1988-2004) (réf.: site electroCD). Il est actuellement consultant pour l'organisation musicale Le Vivier, Carrefour des Musiques Nouvelles (http://www.levivier.ca/ ), et il joue dans le quatuor électronique Theresa Transistor (Christian Bouchard, Christian Calon, Mario Gauthier et Monique Jean) (http://www.youtube.com/watch?v=yUUe2QLjonA ).

Résumé : Le travail compositionnel de Jérôme Joy est « plurimultiforme » en ceci qu’il combine en un tout indifférencié instruments musicaux traditionnels ou électroniques, applications informatiques et une diversité de pratiques sonores plurielles telles que musique de sons fixés, improvisation, performance, modélisations informatiques, réseautages, etc. Ce métissage particulier génère des objets perceptifs imprévisibles parce que toujours en mouvance. Cet article tente de mettre en relief, en les considérant sous différents angles, certaines des résultantes que cette démarche engendre en termes formels, esthétiques et esthésiques. De fait, ce type de pratique interroge directement l’idée même de ce qu’est une « œuvre d’art » telle que conçue traditionnellement et peut-être surtout, la perception qui s’y rattache. (Mario Gauthier)

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Magali Babin, Jerome Joy, Montreal, 06/2010Jerome Joy, nocinema.org, Brussels, 02/20008
Jérôme Joy & Magali Babin, concert pim mtr (+nocinema.org), Montréal, 06/2010 ——— Jérôme Joy, nocinema.org streaming (Emmanuelle Gibello, Christophe Charles), Brussels, 02/20008

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2011-07 TACET

../files/img/201105_tacet.pngMember of the Advisory board of the research publication TACET
Spring 2011
TACET is a new research publication dedicated to experimental music. Published annually and trilingually (French, English and German), its ambition is to create an interdisciplinary and international space of reflection for this music, in all its aesthetic diversity : from noise to improvisation, via electroacoustic, electronic, minimalist music, silent, indeterminate, conceptual, sound poetry, free jazz, field recordings, sound art, etc.

Participant au comité de lecture de la revue TACET
Printemps 2011

TACET est une nouvelle revue de recherche dédiée aux musiques expérimentales. À parution annuelle et trilingue (français, anglais et allemand), elle a pour ambition de créer un espace de réflexion interdisciplinaire et international sur ces musiques, comprises dans leur diversité esthétique : de la noise à l’improvisation, en passant par l’électroacoustique, l’électronique, les musiques minimalistes, silencieuses, indéterminées, conceptuelles, la poésie sonore, le free jazz, les field recordings, l'art sonore, etc.


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